« Contemplations, gommes bichromatées et procédés photographiques anciens » du 7 au 13 novembre à la galerie Bridaine, 8 rue Bridaine 75017 Paris.
Pouvez-vous nous décrire votre exposition « Contemplations, gommes bichromatées et procédés photographiques anciens » du 7 au 13 novembre à la galerie Bridaine à Paris ?
«Contemplations » est une exposition de photographies qui se situe dans la zone ténue entre document et expression.
Les épreuves photographiques issues de grands reportages portent l’émotion des prises de vue : les mineurs de pierres précieuses, l’hiver du nord Japon, les chamans du Ladakh. Elles sont toutes réalisées manuellement avec des procédés photographiques dits anciens : tirage platine, van dyke, cyanotypes et surtout gommes bichromatées couleurs.
Quel est le message de cette exposition ?
Cette exposition vise à tourner la photographie vers un regard intérieur. Après voir fait près de 30 ans de reportages, le regard extérieur, le donner à voir, le document…
J’invite plutôt le spectateur à une introspection, une photographie presque contemplative, voire méditative. Ce sont des prises de vues choisies, pour beaucoup réalisées récemment, au Japon, ou tout simplement dans mon jardin à Saumur. Ces épreuves photographiques réalisées manuellement avec des procédés anciens ou artisanaux me permettent de donner une vibrance tout à fait particulière à mes images. Sur ces clichés, les couches pigmentaires donnent physiquement une dimension spectrale aux épreuves.
Comment procédez-vous pour arriver à ces résultats étonnants ?
Je commence par réaliser les trois primaires, les trois gommes trichromes avec des pigments transparents. J’interviens directement en choisissant les pigments, en les préparant à ma façon. Dans certains cas, je les fabrique même pour travailler leur transparence, leur luminosité.
«Contemplations » est une exposition de photographies qui se situe dans la zone ténue entre document et expression.
Les épreuves photographiques issues de grands reportages portent l’émotion des prises de vue : les mineurs de pierres précieuses, l’hiver du nord Japon, les chamans du Ladakh. Elles sont toutes réalisées manuellement avec des procédés photographiques dits anciens : tirage platine, van dyke, cyanotypes et surtout gommes bichromatées couleurs.
Quel est le message de cette exposition ?
Cette exposition vise à tourner la photographie vers un regard intérieur. Après voir fait près de 30 ans de reportages, le regard extérieur, le donner à voir, le document…
J’invite plutôt le spectateur à une introspection, une photographie presque contemplative, voire méditative. Ce sont des prises de vues choisies, pour beaucoup réalisées récemment, au Japon, ou tout simplement dans mon jardin à Saumur. Ces épreuves photographiques réalisées manuellement avec des procédés anciens ou artisanaux me permettent de donner une vibrance tout à fait particulière à mes images. Sur ces clichés, les couches pigmentaires donnent physiquement une dimension spectrale aux épreuves.
Comment procédez-vous pour arriver à ces résultats étonnants ?
Je commence par réaliser les trois primaires, les trois gommes trichromes avec des pigments transparents. J’interviens directement en choisissant les pigments, en les préparant à ma façon. Dans certains cas, je les fabrique même pour travailler leur transparence, leur luminosité.
De gauche à droite : gomme bichromatee - Chez Julie - Gomme bichromatée sur papier – Birmanie/Mogok © JB Rabouan
Après ces années de reportages, qu’est-ce qui vous donné l’envie de vous lancer dans ces procédés photographiques artisanaux ?
En fait, je reviens par ces procédés à mes premières amours. Quand j’étais jeune adolescent, mon grand-père faisait de la photographie avec des procédés picturaux. Il m’en parlait beaucoup et m’a un peu initié au laboratoire.
J’ai commencé à 12 ou 13 ans à être en contact avec ces procédés. J’ai très vite été fasciné par toute cette photographie entièrement créée. Ensuite, j’ai fait beaucoup de laboratoire. Même si j’ai fait ma carrière dans le reportage avec les moyens photos diapositives puis numériques, je faisais toujours des travaux en laboratoire avec un attachement profond pour cette photographie artisanale. En 2016, j’ai moins travaillé pour Grands Reportages et je me suis lancé dans l’aventure du livre « Mogok la vallée des pierres précieuses ». Cette période correspondait à un tournant de ma vie et je me suis dit que je pouvais enfin explorer toutes les possibilités du laboratoire. J’ai rencontré à cette occasion un photographe, Jean-Charles Gros, qui est l’un des rares à maîtriser la plupart des procédés photographiques pigmentaires, comme la gomme et le charbon. Il m’a initié aux secrets des vieux praticiens de la gomme. Et cela fait maintenant trois ans que j’expérimente à peu près tous les procédés possibles.
J’ai commencé à 12 ou 13 ans à être en contact avec ces procédés. J’ai très vite été fasciné par toute cette photographie entièrement créée. Ensuite, j’ai fait beaucoup de laboratoire. Même si j’ai fait ma carrière dans le reportage avec les moyens photos diapositives puis numériques, je faisais toujours des travaux en laboratoire avec un attachement profond pour cette photographie artisanale. En 2016, j’ai moins travaillé pour Grands Reportages et je me suis lancé dans l’aventure du livre « Mogok la vallée des pierres précieuses ». Cette période correspondait à un tournant de ma vie et je me suis dit que je pouvais enfin explorer toutes les possibilités du laboratoire. J’ai rencontré à cette occasion un photographe, Jean-Charles Gros, qui est l’un des rares à maîtriser la plupart des procédés photographiques pigmentaires, comme la gomme et le charbon. Il m’a initié aux secrets des vieux praticiens de la gomme. Et cela fait maintenant trois ans que j’expérimente à peu près tous les procédés possibles.
Gomme bichromatée sur papier - Les chemins du Dieu Shiva - Madurai/Tamil Nadu/Inde - © JB Rabouan
Pouvez-vous nous décrire techniquement ces procédés photographiques artisanaux ?
Vous allez avoir deux grandes familles de procédés. Les procédés dits pigmentaires et les procédés au sel métallique. Le plus connu d’entre eux étant l’utilisation de sels d’argent, mais aussi des sels de fer pour le cyanotype et des sels de platine.
Ce sont en fait des sels de métaux sensibles à la lumière et qui vont donner toute la famille des procédés aux sels. Ensuite, les procédés pigmentaires sont des procédés basés sur la sensibilité à la lumière d’un liant qui va être associé à un pigment. Il y a toute une grande famille de procédés pigmentaires qui ont l’avantage de pouvoir donner beaucoup de couleurs et de teintes différentes. Ils ont aussi avoir l’avantage d’être très résistant dans le temps, quasiment inaltérables. Nous connaissons bien cela dans l’industrie.
Quand vous faites une photo, vous allez au labo et réalisez à l’aide d’une machine un tirage jet d’encre pigmentaire. Vous pouvez aussi demander un tirage argentique et vous obtiendrez alors un tirage aux sels métallique.
Aujourd’hui nous avons les mêmes différences dans la photographie artisanale. Le pigmentaire avec la gomme bichromatée, de la gomme arabique et les tirages aux sels d’argent, le fameux van dyke ou papier albuminé. Avec les sels de fer, vous créez le cyanotype et avec les sels de platine palladium, le tirage au platine qui a l’avantage de rendre une luminosité dans gris extraordinaire.
Ce sont en fait des sels de métaux sensibles à la lumière et qui vont donner toute la famille des procédés aux sels. Ensuite, les procédés pigmentaires sont des procédés basés sur la sensibilité à la lumière d’un liant qui va être associé à un pigment. Il y a toute une grande famille de procédés pigmentaires qui ont l’avantage de pouvoir donner beaucoup de couleurs et de teintes différentes. Ils ont aussi avoir l’avantage d’être très résistant dans le temps, quasiment inaltérables. Nous connaissons bien cela dans l’industrie.
Quand vous faites une photo, vous allez au labo et réalisez à l’aide d’une machine un tirage jet d’encre pigmentaire. Vous pouvez aussi demander un tirage argentique et vous obtiendrez alors un tirage aux sels métallique.
Aujourd’hui nous avons les mêmes différences dans la photographie artisanale. Le pigmentaire avec la gomme bichromatée, de la gomme arabique et les tirages aux sels d’argent, le fameux van dyke ou papier albuminé. Avec les sels de fer, vous créez le cyanotype et avec les sels de platine palladium, le tirage au platine qui a l’avantage de rendre une luminosité dans gris extraordinaire.
Gomme bichromatée trichrome - Himalaya/Ladakh - © JB Rabouan
Comment se passe le tirage ?
Le principe essentiel est que nous faisons un contretype numérique, c’est à dire un grand négatif, pour un tirage par contact aux ultraviolets. Nous utilisons un matériau sensible à la lumière que nous couchons sur le papier. Ensuite, nous réalisons avec une imprimante, un négatif numérique grand format, du format du tirage, qui a été imprimé au préalable sur du papier transparent. Nous mettons ensuite par contact le négatif numérique sur du papier avec du produit sensible à la lumière. L’exposition aux ultraviolets sensibilise la couche et permet enfin de réaliser une image positive.
Quel est selon vous l’intérêt de réinterpréter en 2020 ces procédés photographiques artisanaux ?
Il faudrait d’abord définir ce qu’est une photo ? Est-ce que la photographie est simplement une image dématérialisée qui est reproduite à l’infini sur des impressions ou des écrans ? Ou est-ce qu’au contraire c’est une épreuve et un objet pictural comme un dessin ou une peinture ? Aujourd’hui, je me suis orienté vers une photo d’expression moins commerciale. J’ai donc besoin de créer avant tout un objet pictural. Cela va donc signifier d’imaginer une œuvre avec du papier et du matériel. Par exemple, pour avoir des émotions culinaires, il faut au départ avoir une émotion dans la production de la cuisine. Il faut avoir de bons produits, c’est-à-dire de bonnes prises de vues. Le procédé devient en fait la recette. Comme je prétends apporter au spectateur une émotion artistique, je ne me vois pas lui fournir une épreuve directement sortie d’un laboratoire industriel et d’une machine calibrée.
Le principe essentiel est que nous faisons un contretype numérique, c’est à dire un grand négatif, pour un tirage par contact aux ultraviolets. Nous utilisons un matériau sensible à la lumière que nous couchons sur le papier. Ensuite, nous réalisons avec une imprimante, un négatif numérique grand format, du format du tirage, qui a été imprimé au préalable sur du papier transparent. Nous mettons ensuite par contact le négatif numérique sur du papier avec du produit sensible à la lumière. L’exposition aux ultraviolets sensibilise la couche et permet enfin de réaliser une image positive.
Quel est selon vous l’intérêt de réinterpréter en 2020 ces procédés photographiques artisanaux ?
Il faudrait d’abord définir ce qu’est une photo ? Est-ce que la photographie est simplement une image dématérialisée qui est reproduite à l’infini sur des impressions ou des écrans ? Ou est-ce qu’au contraire c’est une épreuve et un objet pictural comme un dessin ou une peinture ? Aujourd’hui, je me suis orienté vers une photo d’expression moins commerciale. J’ai donc besoin de créer avant tout un objet pictural. Cela va donc signifier d’imaginer une œuvre avec du papier et du matériel. Par exemple, pour avoir des émotions culinaires, il faut au départ avoir une émotion dans la production de la cuisine. Il faut avoir de bons produits, c’est-à-dire de bonnes prises de vues. Le procédé devient en fait la recette. Comme je prétends apporter au spectateur une émotion artistique, je ne me vois pas lui fournir une épreuve directement sortie d’un laboratoire industriel et d’une machine calibrée.
Mon jardin secret. Après avoir beaucoup bourlingué, je me suis mis à explorer un petit morceau de massif d’un mètre carré chez moi. Jardin secret - Gomme trichrome rose - © JB Rabouan
Quelles sont précisément les œuvres qui seront accrochées lors de cette exposition à Paris ?
Globalement, je présente trois séries. Une première que j’ai intitulée L’Esprit du Nord. Ce sont des photos qui ont été faites cette année dans le nord du Japon, dans des conditions de liberté exceptionnelles. La deuxième série s’appelle Quête. Elle s’intéresse à toutes les recherches humaines. Tout ce qui fait que l’on se bouge pour gagner quelque chose. Cela peut être une quête spirituelle, pour l’argent, la force, l’excellence etc. La troisième série s’appelle Mon jardin secret. Après avoir beaucoup bourlingué, je me suis mis à explorer un petit morceau de massif d’un mètre carré chez moi, dans mon jardin.
Cet ouvrage de Jean-Baptiste Rabouan propose une approche originale et récréative pour découvrir autrement l’histoire de la photographie à travers une série de fictions romanesques.
Vous profitez également de cette exposition pour présenter votre dernier ouvrage « Ils étaient photographes, les artistes pionniers ». Pouvez-vous nous en parler ?
Tout d’abord j’espère que ce livre sera le premier d’une longue série. L’envie de faire cet ouvrage me vient principalement de deux constats.
Dans tous les cours et les stages photos que j’ai pu dispenser et animer, je me suis rendu que seul un petit nombre de mes élèves connaissait vraiment l’histoire de la photographie. Le second constat est que les livres d’histoire de la photo sont très bons, mais aussi très ardus. De-là, m’est venue l’idée d’écrire des nouvelles sur la photographie, un peu à la manière de Maupassant. Mon ouvrage propose une approche originale et récréative pour découvrir autrement l’histoire de la photographie à travers une série de fictions romanesques.
Ce livre couvre une période allant de l’invention de la photographie à la Première Guerre mondiale. Chaque nouvelle met en scène un photographe à une époque donnée de la photographie. La photographie en 1840 n’était pas perçue par le public comme celle de 1860 ou 1880.
En fait, je mets en scène des personnages que j’ai créés dans une période photographique donnée et les mets aux prises avec tous les enjeux sociaux et sociétaux que la photographie a pu engendrer à l’époque. A l’issue de ces histoires, à la fin de l’ouvrage, il y a une grande partie que j’ai appelée « Repères » où je déroule une échelle chronologique très détaillée de l’histoire de la photographie.
Tout d’abord j’espère que ce livre sera le premier d’une longue série. L’envie de faire cet ouvrage me vient principalement de deux constats.
Dans tous les cours et les stages photos que j’ai pu dispenser et animer, je me suis rendu que seul un petit nombre de mes élèves connaissait vraiment l’histoire de la photographie. Le second constat est que les livres d’histoire de la photo sont très bons, mais aussi très ardus. De-là, m’est venue l’idée d’écrire des nouvelles sur la photographie, un peu à la manière de Maupassant. Mon ouvrage propose une approche originale et récréative pour découvrir autrement l’histoire de la photographie à travers une série de fictions romanesques.
Ce livre couvre une période allant de l’invention de la photographie à la Première Guerre mondiale. Chaque nouvelle met en scène un photographe à une époque donnée de la photographie. La photographie en 1840 n’était pas perçue par le public comme celle de 1860 ou 1880.
En fait, je mets en scène des personnages que j’ai créés dans une période photographique donnée et les mets aux prises avec tous les enjeux sociaux et sociétaux que la photographie a pu engendrer à l’époque. A l’issue de ces histoires, à la fin de l’ouvrage, il y a une grande partie que j’ai appelée « Repères » où je déroule une échelle chronologique très détaillée de l’histoire de la photographie.
Joueurs d'échec à Budapest - © JB Rabouan
De gauche à droite : Pèlerin en prière dans les Açores et Monde en bleu - Guinée Bissau - © JB Rabouan
Selon vous, quelle est l’utilité et la signification profonde de la photographie au 21e siècle ?
Je pense qu’aujourd’hui la photographie connait un grave problème de vocabulaire.
En réalité nous ne pouvons plus parler de photographie mais plutôt des photographies. Il existe vraiment trop d’écarts entre la photo que l’on fait avec son téléphone portable et le photographe d’art qui va produire de beaux tirages d’exposition.
Certes, nous avons toujours eu dans l’histoire de la photographie, la pratique professionnelle, artistique et amateur. Ces trois mondes se sont toujours côtoyés. Mais ils ont littéralement explosé. Il y a 20 ou 30 ans, le photographe amateur était quelqu’un qui s’impliquait un peu en achetant notamment sa pellicule. Tout le monde ne faisait pas de la photo. Auparavant, vous vous tourniez vers un spécialiste quand vous en aviez besoin, pour faire votre portrait ou celui de vos enfants.
Aujourd’hui, chacun est son propre protagoniste. Même dans le reportage de guerre, ce sont souvent maintenant les combattants qui font leurs propres photos. Cela implique un fossé énorme entre le photographe qui pratique un art et la photographie usuelle. Nous désignons sous le même mot des pratiques et des supports qui n’ont plus rien à voir les uns avec les autres. Il n’est plus possible de comparer le beau tirage photo et la photo dématérialisée, shootée par centaines au jour le jour, avec son téléphone portable.
En réalité nous ne pouvons plus parler de photographie mais plutôt des photographies. Il existe vraiment trop d’écarts entre la photo que l’on fait avec son téléphone portable et le photographe d’art qui va produire de beaux tirages d’exposition.
Certes, nous avons toujours eu dans l’histoire de la photographie, la pratique professionnelle, artistique et amateur. Ces trois mondes se sont toujours côtoyés. Mais ils ont littéralement explosé. Il y a 20 ou 30 ans, le photographe amateur était quelqu’un qui s’impliquait un peu en achetant notamment sa pellicule. Tout le monde ne faisait pas de la photo. Auparavant, vous vous tourniez vers un spécialiste quand vous en aviez besoin, pour faire votre portrait ou celui de vos enfants.
Aujourd’hui, chacun est son propre protagoniste. Même dans le reportage de guerre, ce sont souvent maintenant les combattants qui font leurs propres photos. Cela implique un fossé énorme entre le photographe qui pratique un art et la photographie usuelle. Nous désignons sous le même mot des pratiques et des supports qui n’ont plus rien à voir les uns avec les autres. Il n’est plus possible de comparer le beau tirage photo et la photo dématérialisée, shootée par centaines au jour le jour, avec son téléphone portable.
Amar Singh dernier conducteur de locomotive à vapeur dans le nord de l'Inde - JB Rabouan
En tant que créateur et photographe professionnel, quel est le sens que vous donnez à votre propre pratique photographique à l’heure actuelle ?
Je crois qu’il faut que la photographie d’art et d’expression retrouve sa juste place. Il y a par exemple quelque chose de très révélateur.
Il est aujourd’hui plus difficile d’apprendre à apprécier une image que d’en faire une. Vous prenez votre téléphone portable ou votre appareil de poche, vous appuyez sur le clic et il y a 50 000 logiciels d’assistance derrière qui règlent pour vous tous les problèmes techniques, voire esthétiques.
En revanche, il est désormais beaucoup plus difficile d’aller dans une exposition, de prendre un beau livre de photographie et de savoir apprécier les images, les lire, les comprendre, les décoder... Il faut donc réapprendre à regarder et à apprécier l’image. Car le photographe d’expression ne fait pas sa photo pour lui-même. Si nous faisons des expositions ou des livres, c’est pour que le public puissent profiter de nos photographies.
Cela passe par une éducation de la perception. L’appréciation des choses en art et l’intérêt que l’on peut en tirer pour soi-même vient aussi beaucoup de notre éducation artistique. Le message essentiel, c’est peut-être de laisser un peu de côté le téléphone portable et d’aller voir les expositions de photographies, notamment en novembre à l’occasion du mois de la photographie à Paris et de s’attacher à vivre quelque chose de personnel.
Souvent, je fais un exercice avec mes élèves. Je leur amène un livre d’une grosse pointure de la photographie. Je leur demande dans un premier temps de regarder les photos et ils passent en moyenne 2 à 3 secondes sur chaque cliché. Nous recommençons ensuite l’exercice en restant plus de 2 minutes sur chaque photo. Avec seulement 2 minutes d’observation des œuvres d'un photographe comme Sebastião Salgado, mes élèves voient tout d’un coup des détails qu’ils n’avaient pas perçus au départ. En deux minutes, la photographie leur permettait de créer un monde intérieur. C’est un peu cela que j’ai envie de retrouver dans la présentation de mon travail…
David Raynal
Je crois qu’il faut que la photographie d’art et d’expression retrouve sa juste place. Il y a par exemple quelque chose de très révélateur.
Il est aujourd’hui plus difficile d’apprendre à apprécier une image que d’en faire une. Vous prenez votre téléphone portable ou votre appareil de poche, vous appuyez sur le clic et il y a 50 000 logiciels d’assistance derrière qui règlent pour vous tous les problèmes techniques, voire esthétiques.
En revanche, il est désormais beaucoup plus difficile d’aller dans une exposition, de prendre un beau livre de photographie et de savoir apprécier les images, les lire, les comprendre, les décoder... Il faut donc réapprendre à regarder et à apprécier l’image. Car le photographe d’expression ne fait pas sa photo pour lui-même. Si nous faisons des expositions ou des livres, c’est pour que le public puissent profiter de nos photographies.
Cela passe par une éducation de la perception. L’appréciation des choses en art et l’intérêt que l’on peut en tirer pour soi-même vient aussi beaucoup de notre éducation artistique. Le message essentiel, c’est peut-être de laisser un peu de côté le téléphone portable et d’aller voir les expositions de photographies, notamment en novembre à l’occasion du mois de la photographie à Paris et de s’attacher à vivre quelque chose de personnel.
Souvent, je fais un exercice avec mes élèves. Je leur amène un livre d’une grosse pointure de la photographie. Je leur demande dans un premier temps de regarder les photos et ils passent en moyenne 2 à 3 secondes sur chaque cliché. Nous recommençons ensuite l’exercice en restant plus de 2 minutes sur chaque photo. Avec seulement 2 minutes d’observation des œuvres d'un photographe comme Sebastião Salgado, mes élèves voient tout d’un coup des détails qu’ils n’avaient pas perçus au départ. En deux minutes, la photographie leur permettait de créer un monde intérieur. C’est un peu cela que j’ai envie de retrouver dans la présentation de mon travail…
David Raynal
Plus d'infos
Le dernier livre de Jean-Baptiste Rabouan,
« Ils étaient photographes, les artistes pionniers »
est disponible pour 15,82€ en version papier sur
www.amazon.fr/dp/2954123346?ref_=pe_3052080_397514860
Exposition
« Contemplations, gommes bichromatées et procédés photographiques anciens »
du 7 au 13 novembre
à la galerie Bridaine,
8 rue Bridaine 75017 Paris.
Présentation par l’auteur des procédés photographiques,
le dimanche 10 novembre à 16 heures.
Site : www.rabouan-images.com
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« Ils étaient photographes, les artistes pionniers »
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Exposition
« Contemplations, gommes bichromatées et procédés photographiques anciens »
du 7 au 13 novembre
à la galerie Bridaine,
8 rue Bridaine 75017 Paris.
Présentation par l’auteur des procédés photographiques,
le dimanche 10 novembre à 16 heures.
Site : www.rabouan-images.com